Batato, de Marcia Schvartz

En el contexto del resurgimiento de la pintura en la década del 80 –una tendencia que con diferentes denominaciones se dio en muchos países y que también fue decisiva en la Argentina–, Marcia Schvartz construyó una obra sumamente personal que conjuga ciertos elementos clásicos de la tradición pictórica del siglo XX con un elenco de personajes y temas típicamente locales.

Ternura radical, de Iván Argote

A lo largo de su carrera, Iván Argote (Bogotá, 1983) ha creado un conjunto de obras en diferentes formatos –videos, fotografías, esculturas, dibujos e instalaciones públicas – que proponen una reflexión desprejuiciada sobre las relaciones entre historia, política, memoria y subjetividad.

Sobre el lenguaje y sus límites: las escrituras ilegibles de Mirtha Dermisache

En el contexto argentino de fines de los sesenta y comienzos de los setenta, Mirtha Dermisache (Buenos Aires, 1940-2012) es una artista excepcional, cuya obra permite repensar desde nuevos ángulos las relaciones entre pintura y escritura, y las transformaciones ocurridas en la escena local con relación al surgimiento del arte de los medios y el conceptualismo en sentido amplio.

Nietzchean Yearnings:
The Theoretical Foundations
of Brazilian artist Hélio Oiticica

Hélio Oiticica left behind a body of texts, correspondence, and interviews. This essay examines them in the context of other writings from 1960s and 70s Brazil as a guide into how the artist approached and developed works such as penetrables (sculptural booths) and parangolés (both costume and ambient proposal). Going beyond the context of modern Brazil and its experimental art scene, it traces a wide genealogy for his body of work, from local traditions such as samba to European intellectual figures such as Friedrich Nietzsche.

Byung-Chul Han y el Shanzhai

La expansión global del shanzhai como paradigma productivo posiblemente sea uno de los fenómenos culturales más relevantes de las últimas décadas. Surgido en China, este modelo de práctica creativa influye hoy de un modo inconmensurable en una generación de artistas, curadores y pensadores, dispersos en todas partes del mundo y formados en tumblr, Snapchat y Tinder.

Smiljan Radic y el pabellón para
la Serpentine Gallery

Si la idea de una arquitectura primigenia correspondiente a un momento de comunión entre el hombre y la naturaleza ha sido siempre problemática, el intento de establecer hoy un diálogo de iguales entre naturaleza y artificio, tarea que parece animar la obra de Smiljan Radic, es sin dudas una faena titánica. La radical transformación operada por las tecnologías contemporáneas y su fricción con la tradición artística de vanguardia quizás permita, sin embargo, un replanteo de los vínculos entre ambos términos, devenidos naturaleza artificial y artificio naturalizado.

Recuerdos del futuro:
arte, diseño y cine

Hace ya muchos años, Walter Benjamin sostuvo: “No sólo cada época sueña la siguiente, sino que soñadoramente alumbra su despertar”. Según el crítico alemán, desde mediados del siglo XIX, la cultura europea vivía una “reactivación de las fuerzas míticas”, consistente en el florecimiento de fantasías e imaginarios vinculados al progreso y al avance material. A pesar de los muchos traspiés que sufrieron esas fuerzas, su aura no dejó de adquirir nuevas y fulgurantes formas a lo largo de los últimos cien años: utópicas o apocalípticas, las prefiguraciones del porvenir inundaron las disciplinas artísticas, arquitectónicas y del diseño.

Hélio Oiticica: del arte concreto a la performance y los parangolés

Los parangolés de Hélio Oiticica son en gran medida movimiento y danza, y son inseparables, en ese sentido, de su experiencia como pasista de Mangueira. Parangolé es un traje, una construcción, un cobijo, pero también la experiencia de portarlo y la de los espectadores, ya no pasivos, que pueden interactuar con el portador. Es una performance ritual que borra los límites entre el artista y el público y que funciona como un antídoto contra el concepto retardatario y conservador de “buen gusto” del arte moderno.

Informe sobre el debate actual
en torno a la noción de arte contemporáneo

El problema del mercado del arte explotó a partir de los años ochenta del siglo pasado, en gran medida debido a los excedentes generados por la nueva economía (el crecimiento de los mercados financieros, la expansión del comercio internacional de servicios y la nueva configuración de los flujos de inversión extranjera) y por el auge del consumo de productos de lujo por parte de los entonces llamados young urban professionals. En este sentido, estuvo ligado desde sus comienzos a la globalización económica y la expansión del neoliberalismo.

Jacques Rancière:
el malestar en la estética

El malestar en la estética, recientemente editado en nuestro país, es, por supuesto, un libro sobre teoría estética, pero, siendo su autor Jacques Rancière, es también un tratado político, en la medida en que para el filósofo francés es imposible pensar ambos ámbitos de modo separado en la época moderna.

Sobre la “estética del aparecer”
de Martin Seel

El placer estético, un “devenir consciente a través de los sentidos de los presentes fugaces de la existencia”, excede ampliamente a la experiencia artística: cualquiera que se haya perdido en la ciudad un rato sin obligaciones, comenta Seel, dejándose invadir por “el aparecer irremplazable de lo real”, sus sonidos e imágenes, lo sabe.

Cultura de la congestión vs. cultura de la circulación: Rem Koolhaas lee a Le Corbusier

Este artículo busca revisar sucintamente dos modelos de ciudad largamente discutidos y las dos culturas contrapuestas que se derivan de ellos. En primer lugar, el modelo de la ciudad radiante, propuesto por Le Corbusier alrededor de los años treinta como solución para los problemas de higiene, salud y vivienda generados por el exponencial crecimiento de las urbes modernas a partir de la segunda mitad del siglo XIX y que, basado en el “rascacielos cartesiano”, constituyó una defensa de “la cultura de la circulación”. En segundo lugar, el modelo expuesto por Rem Koolhaas en su ya clásico libro Delirious New York de 1978, que rescata el caótico desarrollo urbano acontecido en la isla de Manhattan durante el primer tercio del siglo XX

Gustave Doré, entre el romanticismo
y la reproducción mecánica de las artes

La obra de Doré, pero también su vida, refleja, traduce y, al mismo tiempo, produce la sensibilidad artística de su época; una sensibilidad que trabajosamente hacía pie en medio del surgimiento de la industria moderna, los conatos de restauración monárquica, las tendencias opuestas hacia el romanticismo y el realismo y la transformación radical de las bellas artes por parte de las primeras experiencias de reproducción y difusión masivas.